Manhatta (1921)

Juan David Camelo
Código: 2508495


Manhatta (1921) Paul Strand - Charles Sheeler


Manhatta fue el nombre original de la isla de Manhattan y fue tomado por Paul Strand y Charles Sheeler para titular su documental de diez minutos en que la isla humeante y en crecimiento es la protagonista. Los 65 fotogramas que componen la película describen la rutina de la isla y en particular del distrito Manhattan de la ciudad de Nueva York, característico por ser un icono económico y arquitectónico en el mundo.

Para el momento de la realización, Estados Unidos comenzaba a tomar un papel protagónico en el planeta, pues luego de la primera guerra mundial, su economía comienza a ser estable y sus relaciones y poder se multiplican. A comienzos de la década de los 20 el país crece y comienza tomar forma la potencia.

La construcción de grandes edificios y grandes industrias da forma a las grandes ciudades en donde se comienza a invertir todo el dinero en las fábricas y las empresas. Esto dio pie a la importancia de la bolsa de Nueva York y a sus operaciones financieras como caminos a la riqueza y el crecimiento.

Estados Unidos que no participo en la guerra se aprovecha de la postguerra europea y se acomoda sacando provecho de las consecuencias de los líos del viejo continente. De forma casi que silenciosa lentamente se hace una potencia en todos los ámbitos.

Paul Strand en el momento, un joven, hijo de inmigrantes checos aficionado a la fotografía junto a Charles Sheeler, pintor y fotógrafo, influenciados por un sentimiento de nacionalismo y admiración, por su país y su ciudad realizan el que haría parte del grupo de documentales llamado Sinfonías humanas, en dónde se exponen y admiran las rutinas, arquitecturas y ambientes de las ciudades importantes de la época.

Motivados por la moda y la intención de vender la ciudad a turistas y extraños, crean casi que un vídeo publicitario de la ciudad. Apoyados en la admiración y un tratamiento icónico idolatran la ciudad. Hacen uso de imágenes de los rascacielos de la ciudad, las fábricas, los puentes, y el comercio marítimo de la ciudad para exponerla como una potencia en crecimiento, el humo y los altos edificios advierten al mundo de la potencia mundial que se está formado.

El documental está basado en un poema del escritor Paul Whitman y se entiende como la física intensión de hacer una traducción de la literatura a lo visual. Como “fotografía en movimiento” podría describirse el trabajo del par de realizadores influenciados por su trabajo previo en la fotografía y la pintura. Y es notable pues las fotografías del documental son hermosas, y estás compuestas de manera nutrida con elementos que nos describen una ciudad en pocos minutos. Planos estáticos fríamente calculados de construcciones, rascacielos, enormes calles inundadas de personas, el río y enormes embarcaciones con una vista desde el cielo, dan la sensación de estar en ese lugar que echa humo de la acelerada manera en que crece y que está listo para apoderarse del planeta con fuertes vías férreas y marítimas por el océano atlántico.

Algo parecido a lo que envió la NASA al espacio, un recuento de lo llamativo, icónico y sobresaliente del planeta para que sea fácilmente entendido por un ser que solo goce del sentido visual.

  

Así al igual que el poema, la película finaliza con un final abierto, invitando a quien tenga la suerte de verlo a conocer esta ciudad que enamoro a sus realizadores, y advirtiendo que sus edificios y su crecimiento no tiene límite, que cada día será más alto el punto de vista con el que la ciudad de Nueva York ve el mundo.

Aunque resulte bruscamente objetivo el trabajo de cualquier realizador de documental es inocultable su opinión, su punto de vista no es el mismo que cualquier otra persona. Y esto queda registrado en las imágenes y sonidos que forman el trabajo audiovisual. Y seguramente si otro realizador realiza un trabajo con la misma intención y con la misma idea, serán dos cosas totalmente distintas, los documentales de cada realizador.

https://www.youtube.com/watch?v=gORE97onDbA

Ivens y el documental pictórico

En el año 1924 surge como rechazo al cine comercial la creación de cineclubes por parte de artistas provenientes de diversas disciplinas, donde buscaban experimentar con el cinematógrafo instaurando nuevas características, propias de cada uno de las artes que practicaban. Presentado una propuesta totalmente innovadora, que se olvidaba de las grandes y complejas tramas; el cine que estos artistas promovieron era aquel en el cual la importancia era totalmente pictórica, aquella que surgía de las posibilidades de composición que producía el manejo de la luz. Serían en estas reuniones y en sus productos donde surgiría el término de documental pictórico.

Influenciado e identificado con este movimiento, Joris Ivens perteneciente al cineclub de Ámsterdam (Filmliga) realiza sus trabajos cinematográficos atendiendo a una preocupación por la relación de las formas y un especial detenimiento y cuidado en el trabajo de observación de las dinámicas cambiantes de la ciudad. Hijo además de un fotógrafo recibiría desde muy pequeño la formación y el gusto por la fotografía y la estética de las imágenes.

Inspirado también por la obra de Walter Ruttman, en especial por su documental Berlín, sinfonía de una ciudad donde el manejo del ritmo dentro de las dinámicas de la ciudad cobra relevancia de manera evidente, Ivens se encamina a realizar su obra sobre el puente ferroviario levadizo de Rotterdam (De Brug, 1928), donde las relaciones entre los movimientos de un barco, de un tren y del propio puente resultan en una composición donde el ritmo prevalece, dado por los diferentes tipos de ángulos y duración de los planos, revelando además una preocupación por el montaje y la relación entre los planos por parte de Ivens.

Es precisamente a través de la captura desde varios ángulos, prestando gran atención a su composición, que logra una representación total del lugar. Permitiéndole así jugar con la descomposición y recomposición de los elementos que presentan, de una manera rítmica. Como un retrato estructural, el puente se convierte en el protagonista del documental con su magnificencia, restándole importancia a la presencia humana. Aquella importancia que se le da al movimiento es la que convierte a objetos inanimados en personajes con vida.

Ivens basaba su trabajo en una profunda y extensa observación, en la que descubría belleza en pequeñas cosas, movimientos y relaciones entre objetos. Entonces tras la realización de  su documental De Brug, al año siguiente presenta el más importante de su obra, Regen (1929) que lo realizaría con la colaboración del escritor Mannus Franken.

La innovación en este documental no surge simplemente de la experimentación artística del director con la técnica. Aunque no sea su principal intención, la relación que surge entre los planos y el orden en el que se presenta plantean al espectador una búsqueda de sentido, podría pensarse que aunque inscrito en aquel movimiento que rechaza las tramas imbricadas no niega del todo la necesidad de narrar, de desarrollar un hecho, de generar un discurso.

Superficialmente el documental retrata la caída de la lluvia sobre Amsterdam, pero la exploración que hace Ivens sobre los ángulos de cámara, la composición, la minuciosa escogencia de la escena retratada en cada plano van más allá. Los dos primeros planos se hacen sobre la superficie del agua presentando al personaje principal y enseguida se muestran planos generales de la ciudad en normal funcionamiento, a manera de contexto. La presentación de un plano contrapicado de un árbol en el que sus hojas se mueven por el viento, seguido del vuelo de un conjunto de pájaros permiten al espectador por asociación generar una lectura, claramente se trata de la lluvia que se avecina, un personaje que se manifiesta e irrumpe en un espacio.

Siguiendo la línea de dar vida a seres inanimados, los planos en que se muestra la lluvia caer contra los objetos, correr por las calles, las canales, ver a las personas huir de ella generan cierta melancolía. La relación entre todos estos planos genera una poesía donde el punto de vista le pertenece al personaje principal, a la lluvia. El rechazo que le impone la ciudad relega a la lluvia a correr por el suelo, ese lugar donde se halla lo despreciable, a pesar de la furia con la que ha intentado imponerse termina por rendirse y ocupar el lugar que le han impuesto a ella.

Ivens transforma entonces el concepto de documental como retrato de la  cotidianeidad. La lluvia, un evento momentáneo y pasajero se presenta en la ciudad como algo que irrumpe en su normal funcionamiento, por lo tanto sale de la cotidianeidad de la ciudad, una molestia evidente en la evasión y rechazo que produce esta entre los habitantes.

El amplio cubrimiento del recorrido que realiza este personaje (la lluvia) denota un arduo trabajo, evidentemente no se trató únicamente de colocar una cámara y dejar a la deriva el resultado. No, Ivens tuvo un proceso de 4 meses de contemplación que le permitió entender la lluvia y así mismo escoger la forma en que sería retratada, con la que se reflejara y se narrara el conflicto de este personaje. Dando como resultado imágenes de gran riqueza visual que individualmente y en su conjunto logran un discurso poético sobre el papel de la lluvia.

Regen, que surge como respuesta a la necesidad de realizar un cine no comercial toma claramente el cuidado por la estética y la forma como principal medio, proveniente del trabajo de Ivens como fotógrafo y lo refuerza con el montaje en el que un plano se asocia con el anterior y el siguiente por medio de la misma acción, creando de manera global una secuencia casi que casual. Una estructura muy narrativa en donde existe un inicio, el viento anuncia el acercamiento de la lluvia; un nudo, la lluvia se precipita con gran furia sobre la ciudad intentando generar contacto con el humano; un desenlace, finalmente la lluvia acaba rechazada y relegada al suelo y el cielo nuevamente se abre para permitir que la ciudad continúe en su cotidianeidad.

Dejando de lado los elementos narrativos que podrían hallarse dentro del documental, se sabe que su principal intención fue incluir la importancia que otras artes le daban a la estética de la imagen al cine, claramente no fueron los pioneros en esta tarea pero según Barnouw sería el más representativo del género del documental pictórico.

Lastimosamente, este género no alcanzaría un largo tiempo de auge pues este se dio cercano a una época de transición. El cine sonoro se apoderaba de la atención y con él el poder de la palabra, la importancia de la película ya no se situaba en su belleza visual si no en el discurso directo y explícito que proporcionaba la palabra, pasando a convertirse en ese momento en un instrumento de lucha.

Esteban Hoyos García

Código: 2508505

Teoría e historia de medios audiovisuales IV

14/04/2015

El triunfo de la voluntad: el documental como motor de ideologías

Leni Riefenstahl fue una de las directoras más importante del siglo XX. Su aporte al lenguaje audiovisual fue enorme y muchas de las innovaciones técnicas y estéticas propuestas en su cine se mantienen vigentes hasta la actualidad.

Riefenstahl comenzó su carrera trabajando como actriz en películas alemanas a mediados de los años veinte y adquirió una gran reputación en el mundo del espectáculo alemán. En 1932 debutó como directora en la película  La luz azul; la realización de esta película dio a conocer las capacidades de Leni Riefenstahl como directora y le posibilitó evolucionar hacia la fase de su carrera que la convertiría en un personaje de gran relevancia en la historia del cine: los documentales de propaganda.

El documental más relevante de su filmografía es sin duda El triunfo de la voluntad (1935); en esta película de propaganda se muestra el desarrollo el congreso del Partido Nacionalsocialista en 1934 en Núremberg. El documental, aunque reconocido actualmente por su gran valor artístico, ha sido fuertemente criticado por su compromiso político con el repudiado partido nazi. Riefenstahl también recibió fuertes críticas por su participación en el proyecto y por su vinculación con el nazismo, pero es necesario comprender el contexto histórico en el que surge el documental.

Tras el final de la Primera Guerra Mundial, Alemania se encontraba sumida en la pobreza y en la desesperación. Tras perder la guerra, Alemania tuvo que aceptar la firma del Tratado de Versalles, en el cual debía asumir la completa responsabilidad de haber ocasionado la guerra y se comprometía a dar concesiones territoriales y a pagar exorbitantes indemnizaciones económicas a los Estados que habían salido victoriosos. Para poder pagar esas deudas, el estado Alemán produjo una grandísima cantidad de papel moneda, lo cual acarreó una inflación nunca antes vista del marco alemán y generó una crisis económica aún mayor. Adicionalmente, tras el crack bursátil del ’29 en la bolsa de Nueva York, los Estados Unidos dejaron de prestarle dinero a Alemania. Sin estos estímulos económicos, las finanzas del país sufrieron un enorme colapso.  En este clima de incertidumbre, malestar social y pobreza surge la figura de Adolf Hitler. Hitler proponía la constitución de un estado fuerte, que pudiera lograr devolver a Alemania su rol hegemónico en el panorama político mundial; planteaba la necesidad de adoptar políticas expansionistas que pudieran permitir el resurgimiento económico alemán y que además lograran la conquista de las naciones que habían causado la decadencia de la nación alemana tras la Primera Guerra Mundial. Hitler es aceptado por la población general como un mesías capaz de conducir al pueblo alemán hacia la prosperidad y la gloria.

En este contexto vive Leni Riefenstahl y,, al igual que la mayor parte del pueblo alemán, decide adherir al Nacionalsocialismo y acepta a Hitler como la solución a los problemas alemanes. Cuando Hitler conoce el trabajo de Riefenstahl, le pide que dirija el documental que muestre el encuentro del partido Nacionalsocialista en la ciudad alemana de Núremberg en 1934; a pesar de la poca experiencia con el género documental, Riefenstahl acepta y así surge El triunfo de la voluntad.

La película está dividida en cada uno de los cuatro días que duró el congreso. En ella Adolf Hitler asume un papel protagónico y es presentado como una figura heroica y esperanzadora. Otros personajes importantes son los otros líderes del partido Nazi, que son presentados como figuras poderosas que a través de sus discursos recalcan los valores del partido. Un personaje fundamental es el pueblo. La ciudadanía general de Alemania es representada como completamente leal a los ideales del partido Nacionalsocialista y con plena confianza en las capacidades de Hitler de liderar la nación hacia la gloria.

Estos objetivos de darle una cierta connotación al pueblo, a los líderes del partido y a Hitler se logra a la perfección a través del montaje y de la puesta en cuadro. A través del montaje se crea un diálogo entre el pueblo y Hitler, ya que a cada discurso de Hitler corresponde une respuesta eufórica de los espectadores. Por medio del uso de plano muy contrapicados de Hitler, se transmite la idea de Hitler como una figura mesiánica y todopoderosa. Otro recurso visual interesante es el empleo de tomas aéreas que demuestran el carácter multitudinario del evento y el enorme consenso del partido. La música también juega un papel fundamental para demostrar el carácter épico del evento.

Es indudable la efectividad del documental para transmitir una cierta ideología y para reforzar una serie de valores importantes del partido nazi como la unidad y el ansia de poder. También es indudable que el documental se enfrenta a una dualidad entre valor artístico y valor político.

Tras la caída del nazismo, Leni Riefenstahl fue condenada por haber realizado un documental que promovía a un partido que instauró un régimen basado en la violencia, el racismo y la xenofobia. A estas acusaciones Riefenstahl respondió diciendo que El triunfo de la voluntad no  es una película de propaganda, sino que es un documental histórico que pretende capturar la realidad alemana de la época. Aunque Riefenstahl lo niegue es evidente que la forma en que se trata el momento histórico en la película demuestra una actitud de la directora hacia los temas retratados.

Esta coexistencia del elemento artístico y del elemento social está presente en toda obra de arte y es evidente que no se pueden separar la una de la otra. El documentalista tiene que lidiar directamente y en forma más explícita con esta característica de la obra, pues la materia prima para la construcción de cualquier documental es la realidad y por ende no se puede desvincular de ella de modo alguno.

Natalia Amaya Parrra

Código: 2508493

14.04.15

EMPEZADO A EXPLORAR EL DOCUMENTAL

Junto con la exploración de nuevas técnicas para suplir necesidades triviales llega el documental, por ejemplo a partir del hecho de apostar en una carrera de caballos para averiguar si realmente en un momento este alzaba las 4 patas cuando corría hace crear un sistema desarrollado por Eadweard Muybridge en que “coloca una serie de cámaras fotográficas a lo largo de la pista, las conectó con hilos que cruzaban paralelamente la pista, de manera que un caballo al galope al pasar a través de los hilos hacia que se disparara el obturador de las cámaras en rápida sucesión” (Barnouw, Eric. El documental. Historia y estilos) y este es conocido como el primer hecho registrado en movimiento y el precursor de la cámara cinematográfica. Como este, Barnow no ilustra algunos otros ejemplo de lo que sería el inicio de la era del movimiento.

Y se sigue experimentando hasta llegar al kinetoscopio/cinematógrafo, Por un lado en mi opinión los hermanos Lumière revolucionan la historia de las artes con su cinematógrafo que pueden trasladar a todos lados, su cinta es de 1 a 3 minutos, y su objetivo es grabar hechos cotidianos, revoluciona en el sentido que la gente puede verse a si misma en una pantalla, cosa que no se había pensado nunca antes, ya que previamente los únicos con este derecho eran los de clases nobles, que podían contratar un pintor para ser retratados, y de esta forma la mentalidad de los pueblos también cambia, el arte se vuelve accesible para mas público, todos asisten a las proyecciones para ver si se ven en la pantalla, este protocine.

 Por otro lado en estados unidos Thomas Alba Edison crea su kinetoscopio, un invento mucho mas personalizado, donde las proyecciones se pueden ver de a uno, lo cual genera mucha mas ganancia para el. Sus cortos son algo menos populares, (bailarinas, deportistas)

Estos son los inicios del cine, que muchas veces se nos olvida que empieza como documental, sin puestas en escena y con actores naturales, valiéndose de situaciones cotidianas.

Posteriormente vemos de que manera evoluciona el documental, llegando a “El documental explorador” que Barnow describe en su libro. Empezando con su mayor exponente Robert J Flaherty, explorador que por cosas del destino llega a ser el mayor exponente y padre del documental explorador.

Pienso que en Nanook el esquimal (Nanook of the North, 1922, Robert J. Flaherty) a pesar de considerarse una obra exploradora, Flaherty nos muestra con una perspectiva muy occidentalizada las condiciones de vida de los esquimales, quizá intentando resaltar los valores y las costumbres de la cultura norteamericana sin quererlo, y dándonos a entender que estos estilos de vida son inferiores a los nuestros, sin embargo es una obra maestra del documental explorador.

Los directores que vendrían mas adelante y los mismos antropólogos con su “etnografía de salvamento” donde pretendían “registrar en películas la índole de culturas que estaban desapareciendo rápidamente” (Barnouw, Eric. El documental. Historia y estilos) refuerzan el etnocentrismo occidental. Opino que estos estilos de documental no hacen otra cosa que entrometerse en la vida de personas de diferentes culturas sin preocuparse por entender las razones de sus costumbres y sus vidas a fondo, simplemente ponen una cámara frente a ellas y nos muestran únicamente lo que la cámara registra. Considero que un documental explorador debe interactuar mas allá de esto y hallar razones para hacernos entender que nuestra cosmovisión no es la única valida en el mundo.

Avanzando en la historia llega el documental reportero, que tiene como principal figura a Denís Abrámovich Káufman (Dziga Vertov), considero que lo que este hombre hizo con El hombre de la cámara (Chelovek s kino-apparatom, 1929, Dziga Vertov) revolucionó el lenguaje visual que se había impuesto hasta el momento, y el tiempo en que surge influye también en este film, tenia una posición futurista que iba mas allá del cine realista ruso y por lo tanto no fue tan acogido por el estado, proponía otras opciones de ver el mundo lo cual era un peligro en la Rusia del 29, ya que el objetivo del comunismo era mantener a las masas convencidas de que el régimen era lo mejor que había podido pasar y distraerse de esto podía crear amenazas para la URSS. En “el hombre de la cámara” es clara su visión diferente a cerca de su país, sin embargo no deja de lanzar ofensivas a Alemania de manera directa. Considero que El hombre de la cámara es el primer documental impregnado con una verdadera estética artística, que mas allá de mostrar la ciudad, se preocupa por su forma y su montaje, y se preocupa por hacerse universal hablando únicamente el lenguaje de las imágenes.

Con Vertov Nace entonces el documental reportero, y evoluciona hasta lo que conocemos hoy en día, pienso que también es muy parecido al documental de propaganda, ya que en mi opinión no se puede llegar a ser realmente objetivo y siempre se va a tomar posición frente a un hecho que se quiera reportar, bien sea por convicciones ideológicas, dinero, intimidación y demás.

Llegando a un momento mas experimental del documental encontramos el documental pintor en 1920, donde empiezan a interactuar las artes previas al cine y el cine, es decir, la pintura, la escultura, la fotografía, la arquitectura, pero sobre todo el interés se inclinaba a la relación de la película con la luz, y se empieza a experimentar con ello, Viking Eggeling y Hans Richter son pioneros en este estilo de documental en que “esperaban suscitar un sentimiento semejante a los provocados por la música de Bach mediante movimientos contrapuntísticos proyectados en la pantalla y de estructura similar a la fuga”

Es así como nace el documental experimental y abstracto, que lo que buscaba era generar sensaciones en el espectador, considero que es muy interesante el papel de este documental,  ya que nadie antes se había interesado por esto, se vieron algunos atisbos con Vertov, experimentando con el montaje y sin intertítulos, haciendo sus películas únicamente de imágenes, lo cual también pretendía el documental pintor, con la diferencia de que no eran hechos cotidianos, sino situaciones que hacían reflexionar con su misma irracionalidad,  por ejemplo la secuencia de la mujer que subía escaleras mientras limpiaba y parecía que no había fin, a través del montaje se daba la impresión de que ya iba al final de la escalera pero se la veía en el primer escalón de nuevo “este efecto se repite varias veces y el publico concibe el acuciante deseo de ver completado el ascenso. En esta secuencia que sugiere la degradación de la labor repetida, la película tiene fuertes resonancias filosóficas” lo dice Barnow en el libro.

Finalmente, creo que el genero documental debe ser reconocido por el impacto que genera en las sociedades y el poder que tiene en ellas, para poder valernos de el y mostrar nuestras realidades y después transformarlas a través de los procesos que surgen a través de este mismo género.

MIDBO Festival documental

MIDBO – Muestra Internacional Documental de Bogotá

La MIDBO es organizada por la Corporación Colombiana de Documentalistas Aliados Colombia (www.aladoscolombia.com) en asocio con el Ministerio de Cultura.

La MIDBO cumplió en 2013 quince años, consolidándose en la ciudad de Bogotá y en Colombia como un evento anual especializado en el género documental. Durante su trayectoria ha proyectado más de 1.600 documentales provenientes de 45 países. Aproximadamente 55 mil personas han asistido a la Muestra y un gran número de creadores, muchos de ellos reconocidos internacionalmente, han tenido la oportunidad de encontrarse con el público en eventos académicos y de exhibición.

Aquí el enlace:

http://www.muestradoc.com/muestradoc/

Daniel Mateo Ruiz

Teoría e historia de medios Audiovisuales 4 

Motivación

Inicio de la década de los 30's, el mundo entero sufre por la crisis de 1929, uno de los que ha recibido de forma más contundente el golpe es el país de gran Bretaña, que ya venía débil y soportando sus propias crisis.

al final de la primera guerra mundial, el imperio británico se alzó como uno de los vencedores, gracias a esto, amplio sus territorios, arrebatados al imperio alemán, y alcanzo el punto de mayor extensión del imperio en cuanto a territorios dominados alrededor del mundo, pero, el coste de la guerra fue muy amplio, la deuda externa creció y se hacía difícil mantener ese imperio tan basto, además, el estatus que tenía, de ser la potencia económica más grande del mundo le fue arrebatado, ya que desde el otro lado del globo, estados unidos crecía a pasos agigantados, y en las colonias el sentimiento nacionalista crecía, lo que al final termino en la formalización de la independencia de muchos de los territorios dominados por el imperio, esto ya para mitad de la década de los 20's, estos problemas se agravaron profundamente con la llegada a Europa de la crisis que estalló en estados unidos en 1929. 

en la primera mitad de los 30's, Inglaterra, luego del primer golpe de la gran crisis, lograba superar este bache económico con mayor éxito que los demás países de su entorno, luego de aplicar varias  estrategias se recuperaba con éxito y solo Alemania le daba pelea por ser el país en mejor estado económico en Europa, aunque para 1935 Alemania ya se alzaba como una gran potencia y Hitler, que en ese momento ya se había autoproclamado Fuhrer, iniciaba sus planes para expandir los territorios de Alemania.

de vuelta en Inglaterra, el gobierno sabía que la economía mejoraba mientras el pueblo trabajara, así que implemento planes de propaganda para motivar a los trabajadores británicos, en ese momento aparece Night Mail, un documental producido por el GPO Film Unit, que era una subdivisión de la oficina postal de Inglaterra, al pertenecer a este grupo, el documental estuvo enfocado en el servicio de correo. 

Pero más allá de simplemente documental el funcionamiento de la oficina postal, este trabajo fue una exaltación a aquellos trabajadores que hacen posible la entrega del correo, esto con la intención de darles moral y motivarlos a trabajar con dedicación y convicción.    

esta obra se destacó por esta intención de exaltar a la oficina postal y sus trabajadores, pero también por su calidad tanto estética como técnica, ya que para ese momento, el cine sonoro significaba una gran innovación pero su uso en otras películas no se había desarrollado con tanta calidad como si se hizo en Night Mail.

El sonido era nuevo en el cine y su uso no estaba lo bastante explorado, Night Mail demostró ser capaz de usar el sonido de forma innovadora, ya que en otras películas los sonidos eran solo un acompañamiento de lo que se veía en pantalla, pero en este film se destacó el hecho de que en varias ocasiones, era la imagen la que apoyaba al sonido, es decir, a veces sonaban cosas que no estaban en pantalla, pero lo que estaba en pantalla daba a entender al espectador que era lo que sonaba, como en un pequeño plano en el que suena un tren, se escucha que viene a lo lejos y en pantalla se ven 3 hombres que parece que están observando dicho tren, conforme el sonido se hace más fuerte y comienza a suavizarse de nuevo, los trabajadores miran de izquierda a derecha, dando a entender que estaban mirando el paso del tren por el lugar en el que ellos estaban. además de esto, también hay planos en los que se ve el paisaje, la cámara se mueve de un lado de la pantalla al otro mientras suena el tren, pero en la imagen no se ve nunca que la cámara está a bordo de dicho tren, así que la unión de imagen y sonido logra que el espectador asocie ambas para entender lo que se quiere expresar en ese plano, y esa unión de sonido e imagen no se había visto antes, contando algunas pocas excepciones, como "El Ángel Azul".

algo que también cabe destacar es el ritmo que logra este documental, inicia lento pero con el tiempo va tomando un ritmo más acelerado y con muchos cambios de planos en pocos segundos, algo que no sería muy habitual para un documental, además, crea varias secuencias que hacen que el trabajo de los carteros se convierta en algo interesante y emocionantes, como la secuencia en la que se explica cómo se recogen y se entregan los sacos llenos de cartas a través de un tren en movimiento, primero el narrador nos explica el procedimiento y luego a través de un constante cambio de plano entre lo que sucede con las cartas y los rostros y reacciones de los carteros, se crea una tensión y un suspenso en la situación, esto con el fin de que el espectador vea emocionante este trabajo y especialmente, en que el espectador que realice este trabajo en la vida real, se sienta orgulloso y obtenga moral por su trabajo, esto lo impulsa a seguir con su labor y a no cuestionar su papel dentro de la economía británica. 

la película termina con una serie de planos que parecen mostrar como la ciudad de Londres funciona gracias al arduo trabajo que realizan los hombres que se muestran en ese documental, y se vuelve a realzar la idea de que estos hombres trabajan con fuerza pero con mucha convicción y dedicación, al final, la conclusión que se puede sacar es que esta película fue hecha para motivar no solo al cartero, sino a cualquier hombre que realice cualquier labor, policía, bombero, barrendero etc, lo que importa es que gracias a esa motivación, serán los hombres del común, la población trabajadora, la que ayude a Inglaterra a terminar de salir de la dura crisis que vivió y gracias a ellos Inglaterra buscara ser de nuevo la máxima potencia mundial.

Hola muchachoas/as, acá esta la página del festival Beeld Voor Beeld que expuse en la clase

"se centra en mostrar diferentes miradas sobre la diversidad cultural, buscando una reflexión sobre la cultura y la imagen en el cruce del cine documental la antropología visual y las políticas de la representación y autorepresentación cultural." 

http://www.imagentrasimagen.org/